domingo, 10 de febrero de 2008

La Bauhaus de ayer, las escuelas de hoy....

El nombre Bauhaus deriva de la unión de las palabras en alemán Bau, "de la construcción" y Haus, "casa"; irónicamente, a pesar de su nombre y del hecho que su fundador fue un arquitecto, la Bauhaus no tuvo un departamento de arquitectura en los primeros años de su existencia.
La Staatliches Bauhaus (Casa de la Construcción Estatal) o simplemente la Bauhaus, fue la escuela de
diseño, arte y arquitectura fundada en 1919 por Walter Gropius en Weimar (Alemania) y clausurada por las autoridades prusianas (en manos del partido nazi) en el año 1933.
La Bauhaus sentó las bases normativas y patrones de lo que hoy conocemos como
diseño industrial y gráfico; puede decirse que antes de la existencia de la Bauhaus estas dos profesiones no existían tal y como fueron concebidas dentro de esta escuela. Sin duda la escuela estableció los fundamentos académicos sobre los cuales se basaría en gran medida una de las tendencias más predominantes de la nueva Arquitectura Moderna, incorporando una nueva estética que abarcaría todos los ámbitos de la vida cotidiana
La misión de la Escuela cada vez de mayor envergadura, no se limito a la artesanía, sino a la creación de modelos para la producción masiva industrial. En este sistema de montaje el artista hallo un verdadero estimulo que le impulsaba a su propio perfeccionamiento; cuando, por ejemplo, formaba con sus manos, un modelo de tetera en barro para la fabricación en serie, no era ya un mero dibujante, autor de bosquejos sobre el tablero, sino un proyectista y un artesano al mismo tiempo.

El plan de enseñanza de la Escuela preveía dos cursos paralelos, el del trabajo manual y el de las formas. En los primeros años de la Escuela, en cada clase intervenían dos profesores, un artista y un artesano, que trabajaban en íntimo contacto. La enseñanza comenzaba con un curso preparatorio de seis meses, dedicado a prácticas de taller con diversos materiales: piedra, madera, metal, barro, vidrio, colorantes y tejidos, juntamente con nociones de dibujo y modelado. El estudiante debía manifestar que material le resultaba mas atrayente y para cual seria una mayor facilidad de trabajo. Los escolares aprendían el manejo de las herramientas y después el uso de las maquinas que en la industria sustituyen a aquellas. En la enseñanza de las formas entraba el estudio de principios fundamentales en la construcción de los edificios, de la oposición y conocimiento del espacio, de los colores y sobre todo de las formas.
Sin embargo, con el paso del tiempo y problemas personales y políticos, la escuela cesó sus actividades, pero ello no causó que murieran sus enseñanzas y métodos, sino que se extendieron por todo el mundo… La Bauhaus, es en gran medida la causa de las escuelas de diseño ya arte que conocemos hoy en día, extendidas por todos los rincones del mundo y con millones de estudiantes creando día a día cosas nuevas en función de la cambiante sociedad
Consultado en:

Constructivismo de Tatlin y La Escuela Rusa


En el ámbito de las artes plásticas, el "constructivismo" designa un estilo peculiar de obras de arte estrictamente sometidas a las reglas de la geometría. Por ejemplo, en la escuela rusa fundada en 1915 por Tatlin. Fue un movimiento artístico y arquitectónico que surgió en Rusia en 1914 y se hizo especialmente presente después de la Revolución de Octubre. Es un término de uso frecuente hoy en el arte moderno, que separa el arte "puro" del arte usado como instrumento para propósitos sociales, a saber, la construcción del sistema socialista. Así pues, observamos el salto del arte decorativo al arte funcional…
El Constructivismo era una consecuencia del futurismo ruso luego de la
Primera Guerra Mundial. La obra canónica del constructivismo fue la propuesta de Tatlin para el Monumento a la III Internacional (1919) que combinaba una estética de máquina con componentes dinámicos que celebraban la tecnología, como los reflectores y las pantallas de proyección. Gabo criticó públicamente el diseño de Tatlin diciendo “O se crean casas y puentes funcionales o el puro arte por el arte, pero no ambos”
La obra de Tatlin fue inmediatamente alabada por artistas en Alemania como una revolución en el arte: "El arte ha muerto. Viva el nuevo arte de máquinas de Tatlin", reza la pancarta que sostienen George Grosz y John
Heartfield en 1921. A la vez que anuncian la muerte del arte -de cualquier arte-, lanzan un viva al nuevo arte maquinista de Tatlin.
Consultado en:
Constructivismo. Prof. Dr. José Rodríguez de Rivera. Dpto. Ciencias Empresariales. Universidad de Alcalá
http://es.wikipedia.org/wiki/Constructivismo_(arte)
http://www-etsav.upc.es/personals/tih03/webtih02t/wtih3/iplec14/ip1401.jpg

sábado, 2 de febrero de 2008

Toulouse Lautrec y el Moulin Rouge...

Origen del Cartel Publicitario

Según Wikipedia al enciclopedia libre, un cartel, afiche o póster es una lámina de papel, cartón u otro material que sirve para anunciar o dar información sobre algo.
Los carteles se utilizan para divulgar información acerca de productos, ofertas, así como también para publicitar eventos culturales, tales como, conciertos, recitales, películas de cine, obras de teatro, etc, y es que su creación no se debe a un producto u objeto sino más bien a un lugar, “El Mouline Rouge” tal como se explica a continuación

…El Moulin Rouge no sería tal hasta el lanzamiento del cartel publicitario creado por Toulouse-Lautrec en 1891 (quien ya exhibía una obra dentro del cabaret). Cuando los quioscos de anuncios de los grandes Bulevares de Paris aparecieron tapizadas por los novedosos colores y siluetas del cartel de Lautrec, que abría las puertas a la modernidad, llevando a la fama no sólo al cabaret con su sala de baile y espectáculos, sino también a una de sus bailarinas más famosas, Luisa Weber, "la Goulue", a quien Lautrec representó en medio de una de sus frenéticas actuaciones, acompañada por su pareja de baile el contorsionista Valentin "el sin huesos". El cartel tuvo una sensacional acogida tanto entre el público como entre los críticos, lo que sirvió para dar ánimos a Toulouse-Lautrec. Utilizó las siluetas de los personajes en planos, recortadas sobre un fondo también plano y silueteado. El punto de vista elevado que emplea - siguiendo la danza de la bailarina - será muy común en el artista

Henri de Toulouse-Lautrec (Albi, 1864 – Malroné, 1901)
pintor, grabador y dibujante, se instala en Montmartre en la década de 1880. Es a partir de la siguiente década cuando pone sus imágenes al servicio del comercio del espectáculo y comienza a producir carteles. Toulouse-Lautrec anunció algunos de los locales nocturnos más conocidos de la bohemia parisina, como el Moulin Rouge, para el que realizó su primer cartel, el Jardin de Paris o el Folies Bergère. En sus obras, el artista retrata también a algunas de las figuras emblemáticas de este universo: bailarinas, cómicos, cantantes, divas, clowns, y toda una galería de personajes que formaban parte del mundo del espectáculo y la vida nocturna del París de la belle époque.

Entre las aportaciones de Toulouse-Lautrec a la renovación de este género artístico está su afán por romper con las fórmulas establecidas por el art nouveau., Toulouse-Lautrec recurre a otras fuentes y adopta soluciones compositivas que proceden de tradiciones y culturas figurativas diferentes, principalmente de la estampa japonesa de la que incorpora la simplificación de las líneas, tan característica de sus carteles. En su obra también se puede rastrear la influencia de otros pintores, como Degas y Gauguin. El impacto cromático que Toulouse-Lautrec consigue con el uso de tintas planas de vivos colores y los enfoques fotográficos marcan sus trabajos y los hacen inconfundibles.

Así pues observamos la importancia que tuvo el desempeño de Toulouse Lautrec para lo que es hoy en día la publicidad, que obviamente con el paso del tiempo ha evolucionado, tan es así que hoy en día observamos las calles repletas de vallas inmensas, o publicidad móvil en carros o camiones destinados para ello, publicidad a través de personas en los semáforos o transitadas vías de la ciudad, entre otras tantas manifestaciones que deben su existir al maestro Toulouse Lautrec


Consultado en:
http://www.aloj.us.es/galba/monograficos/LAUTREC/MoulinRouge.htm
http://es.wikipedia.org/wiki/Cartel
http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/cuadros/543.htm
http://www.mnac.es/doc/lan_003/Toulouse.pdf

lunes, 14 de enero de 2008

Arts and Crafts, Art Nouveau, Jugendstil, Secesión, Modernismo, Moderm Style, Liberty…

ARTS & CRAFTS ----------> ARTES Y OFICIOS
El movimiento Arts and Crafts, que en español sería de Artes y Oficios, es un movimiento artístico que surge en Inglaterra a finales del siglo XIX y se desarrolló en el Reino Unido y Estados Unidos en los últimos años del siglo XIX y comienzos del siglo XX. Inspirada por la obra de John Ruskin, alcanzó su apogeo entre 1880 y 1910, se refiere al grupo de artesanos, artistas, diseñadores y arquitectos que se propusieron levantar el estado de las artes aplicadas, al de las bellas artes.
El Arts & Crafts se asocia sobre todo con la figura de
William Morris, artesano, impresor, diseñador, escritor, poeta, activista político y, en fin, hombre polifacético, que se ocupó de la recuperación de los artes y oficios medievales, la arquitectura, las artes decorativas y las artesanías británicas y norteamericanas, e incluso en el diseño de jardines, renegando de las nacientes formas de producción en masa. El movimiento reivindicó los oficios medievales en plena época victoriana, reivindicando así la primacía del ser humano sobre la máquina y siendo un movimiento en principio contracultural. Oponía la creatividad y el arte a la producción en serie. Se caracteriza por el uso de líneas serpenteadas y asimétricas constituyendo sobre todo un arte decorativa.



El Art Nouveau en Francia,
El Jugendstil en Alemania,
La Secesión en Austria,
El Modernismo en España,
El Moderm Style en los países anglosajones y
El Liberty en Italia,

Por su parte, se desarrollaron otros movimientos paralelamente en diversos países del mundo, “Estilo Joven” o “Arte Nuevo” es la premisa de todos los movimientos anteriormente nombrados, que ilustran la necesidad de cambio y la necesidad de libertad con respecto a las ataduras del pasado, que presentaban las artes para aquel entonces. Fueron las expresiones que identificaron las artes decorativas de lo últimos años del siglo XIX y de la primera década del siglo XX. Fue una época marcada por la iniciativa práctica y espiritual, expresada tanto en la diversidad de actitudes como en la gran tensión que conlleva el deseo de renovación.
Asociado al progreso tecnológico y un desarrolloeconómico-social que inducía a renovar todos los ambientes de las casas, se preferían conceptos como “verdad” y “juventud” para lograrlo anclaron en la naturaleza, se exhibía en la arquitectura, en los carteles de anuncios. Por lo tanto: ramas, flores, nervaduras… formaron parte de movimientos sinuosos, envolventes, serpentinos. La línea, que puede considerarse como el símbolo peculiar de los muebles y objetos del modernismo, podía asumir cualquier trayectoria.

Representaciones de los movimientos anteriormente mencionados:

Silla de Willow de CHARLES RENNIE MACKINTOSH

Mueble con madera curvada de ANTONIO GAUDI


Escritorio de HENRY VAN DE VELDE


Diseño de ÉMILE GALLÉ

Tomado de:

http://www.argentour.com/local-cgi/ToForo/index.cgi?msg=1480
http://www.arts.galeon.com
http://es.wikipedia.org/wiki/Arts_and_Crafts
VELANDIA Lluvia,
“Historia del Diseño Gráfico”
México, 2007

Evolución de las Tipografías y Desarrollo de los Medios Impresos

La tipografía:
Etimológicamente proviene del griego typos, forma, y de graphein, escribir, y es el arte y técnica del manejo y selección de
tipos, originalmente de plomo, para crear trabajos de impresión. Según los expresa Enciclopedia Libre Wikipedia 2008
El
tipógrafo Stanley Morison 1929, la definió como el Arte de disponer correctamente el material de imprimir, de acuerdo con un propósito específico: el de colocar las letras, repartir el espacio y organizar los tipos con vistas a prestar al lector la máxima ayuda para la comprensión del texto.
Por su parte la web
www.fotonostra.com, define tipografía como el arte o técnica de reproducir la comunicación mediante la palabra impresa, transmitir con cierta habilidad, elegancia y eficacia, las palabras.
Luego de la invención de la imprenta por Gutemberg, John Baskerville (1706-1775), joven y rico aficionado, se dedicó a perfeccionar el proceso de impresión, consiguió hacer su propio papel, preparar sus tintas, y cortar sus fuentes. Hasta entonces, el papel se hacía sobre pantalla de malla, que le daba una textura pronunciada. Él reemplazó la burda pantalla con una fina red, que daba una superficie mucho más suave. El papel más liso permitió que las letras se imprimieran con mayor detalle y contraste entre trazos gruesos y delgados. Baskerville diseñó una fuente, que tiene su nombre, que aprovechaba este nuevo papel más liso. La Baskerville es considerada como una fuente de transición, un gran adelanto con respecto a las antiguas fuentes precedentes.
Más recientemente, las fuentes han sido desarrolladas para satisfacer las necesidades y aprovechar la tecnología moderna. El anuncio de 1938, ilustra la necesidad estética de muchas fuentes. La Stone, fuente introducida en 1988, fue diseñada específicamente para la reproducción digital.

La palabra impresa ha existido desde hace sólo unos 550 años. Con ella, millones de ejemplares de un documento pueden ser hechos instantáneamente; las noticias y el conocimiento pueden dispersarse en minutos. Cualquier persona puede conocer la cultura y el pensamiento de tiempos antiguos.

El uso de las fuentes en la actualidad se basa en siglos de evolución tipográfica, cientos de mejoras cuyo origen es nuestra necesidad de registrar las ideas por escrito. A lo largo de los siglos pasados ha habido progresos en la velocidad, la exactitud y precisión, desde el desarrollo de los caracteres mismos hasta la tecnología de las imprentas, el papel y las tintas. Cada adelanto fue impulsado por una mejora en los materiales disponibles o por la oportunidad de incrementara la eficiencia al acelerar algunos procesos.

La tipografía es el reflejo de una época. Por ello la evolución del diseño de las mismas responde a proyecciones tecnológicas y artísticas. El campo tipográfico, abarca la realización de libros, periódicos, anuncios publicitarios, revistas, etc... y cualquier otro documento impreso que se comunique con otros mediante palabras., y cuyo fin, siempre es informar



Medios Impresos

El desarrollo de la tipografía y la imprenta, trajo consigo la capacidad de difundir material escrito mucho más rápido y efectivamente. En los inicios, en tiempos remotos, las noticias se daban vía oral, por supuesto que esto acarreaba mucha lentitud, desinformación o tergiversación, así pues la imprenta tuvo muchas repercusiones positivas en el campo de la ciencia y del saber, puesto que la gente estaba informada.
En la antigüedad, se usaban papiros y manuscritos, cosa que con el paso del tiempo y los avances tecnológicos fueron evolucionando hasta llegar al periódico, el cual en sus inicios, circulaba una vez a la semana y era de tamaño tabloide, y no diariamente y de variedad de tamaños como lo conocemos hoy en día, puesto que las técnicas en aquel tiempo no eran tan rápidas y efectivas como las son hoy, con el transcurrir de los años y de la mano con el periódico, se fueron creando otros medios impresos como revistas, folletos, volantes, libros, entre otros, conociéndose así a los Medios Impresos como todo material impreso que sirva para transmitir alguna información

El periódico… Su origen y evolución


El periódico, es una publicación informativa, que es distribuida todos los días en una ciudad, región o país. Aunque no es posible señalar a quien inventó el periódico, si podemos decir, como veremos a continuación, que fue Julio Cesar el precursor o quien dio el impulso a la primera forma rudimentaria de este tipo de publicaciones.Como con muchas de las creaciones humanas, el periódico toma forma por medio del ingenio y empuje de diversas personas y culturas; no es posible determinar con exactitud a quién lo invento, sino que surgió como una manifestación natural del quehacer humano.Antes del año 59 antes del nacimiento de Cristo, en Roma, circulaba diariamente un pasquín en el cual se informaban las acciones diarias de la República; se llamaba acta diurna o eventos del día. Aquello se dio por medio de la orden de Julio César, quien buscaba una manera de comunicar al pueblo los hechos y esfuerzos de su gobierno. De igual manera, existen publicaciones de similar forma, que datan del año 713 después de Cristo, en el imperio chino. Pero la publicación de un periódico, como tal, no se dio hasta después de Guttenberg., quien inventó la imprenta de tipos móviles. El país al cual se le atribuye el primer periódico como tal es a Alemania; a finales del siglo XV se distribuía entre la población una especie de panfleto con historias sensacionalistas en conjunto con los eventos noticiosos más relevantes.El 25 de Septiembre de 1690 se publica el primer periódico en América, que se llamó "Publick Occurrences". Este ejemplar sólo tenía tres hojas y la intención era lanzar ejemplares de manera mensual; lamentablemente esto nunca ocurrió y sólo años más tarde los americanos gozaron de publicaciones propias.Ya para el siglo XIX, el periódico sufre una gran evolución y un tremendo desarrollo en los países más desarrollados. Esto se debió principalmente, a quien inventó (Otto Mergenthaler) la máquina de linotipo. Pero fue en pleno siglo XX, a través de los sucesivos avances en las técnicas de impresión que aceleraron todo el proceso, cuando todo el mundo pudo comprar un periódico, y lo tuviera temprano en la mañana. O sea, el tiraje del periódico, logró un fuerte aumento en todos los países que gozaban de plena libertad de prensa. Como hemos podido ver, aunque no es posible decir en forma tajante quién inventó el periódico, si podemos conocer a sus precursores y a su desarrollo a través de la historia.

En la actualidad, se ha desarrollado el periódico electrónico... Publicaciones independientes o dependientes de las ediciones impresas, que aparecen en la Internet. Estas ediciones, han logrado llevar, una fuerte carrera o batalla, con las ediciones tradicionales. Debido a la comodidad de la red. Aún cuando, en varias de estas ediciones impresas, de todas formas hay que pagar una cuota mensual, para leer todo el contenido de la página.

¿¿¿¿¿Podrá el Periódico electrónico sustituir y acabar con los medios impresos????? Espero sus comentarios acerca de este punto, para conocer sus opiniones
Consultado en:

Barroco y Rococó

La palabra barroco, como la mayor parte de las designaciones de un período, época o de un estilo, fue inventada por críticos posteriores, más que por los practicantes de las artes en el siglo XVII y principios de siglo XVIII, es decir, los artistas que plasmaban dicho estilo. Es una traducción francesa de la palabra portuguesa "barroco" (en español sería "barrueco"), que significa "perla de forma irregular", o "joya falsa". Una palabra antigua similar, "barlocco" o "brillocco", es usada en el dialecto romano con el mismo sentido, o también se le llama "barro-coco" todas ellas significando lo mismo. Es importante destacar que el Barroco fue una innovación cultural general.
Se enmarca en un tiempo en el cual la
Iglesia Católica tuvo que reaccionar contra numerosos movimientos revolucionarios culturales que produjeron una nueva ciencia y nuevas formas de religión, como la Reforma protestante.


Manifestaciones del Barroco
Arquitectura: La arquitectura barroca no reniega de las formas clásicas, pero las transforma de manera fantasiosa. A veces el edificio llega a ser como una gran
escultura. Se adopta la elíptica, la forma oval y otras formas. Las paredes son cóncavas y convexas, es decir siempre onduladas. Se llega al abandono de líneas rectas y superficies planas. Éxito del orden gigante, con columnas que abarcan 2 o 3 pisos. No faltan los campanarios, solos o en pareja, muy decorados. Se utilizan efectos de luz, juegos de perspectiva. Da importancia a la luz y efectos luminosos, a través del claroscuro. Búsqueda de la sorpresa. Gusto por lo dramático, escenográfico y teatral. Gran riqueza decorativa y exuberancia formal tanto en los espacios interiores como al exterior, aunque más sobrio. La creación de nuevas tipologías para edificios concretos. Las obras son: palacios, religiosas, urbanísticas, grandes jardines y galerías


Escultura: La escultura barroca se desarrolla a través de las creaciones
arquitectónicas, sobre todo en estatuas, y también en la ornamentación de ciudades en plazas, jardines o fuentes. En España también se manifestó en imágenes religiosas talladas en madera, en la llamada imaginería que esperaban despertar la fe del pueblo.




Pintura: Durante el Barroco la pintura adquiere un papel prioritario dentro de las manifestaciones artísticas. Siendo la expresión más característica del peso de la religión en los países católicos y del gusto burgués en los países protestantes. Se desarrollan nuevos géneros como los bodegones, paisajes, retratos, cuadros de género o costumbristas, así como se enriquece la iconografía de asunto religioso. Existe una tendencia y una búsqueda del realismo que se conjuga con lo teatral y lo efectista.

Música: La música barroca es el estilo musical relacionado con una época cultural
europea, que abarca desde el nacimiento de la ópera en el siglo XVII (aproximadamente en 1600) hasta la mitad del siglo XVIII (aproximadamente hasta la muerte de Johann Sebastian Bach, en 1750).
Literatura: es abundante el uso de la
metáfora y la alegoría. Representa un estado de ánimo diferente, más cerca del romanticismo que del renacimiento, aún cuando es un movimiento que nace al mismo tiempo que este último en algunos países.

Entre las características generales del arte barroco están:
- Abundancia (en cierto término exagerada) de elementos decorativos.
- Su sentido del movimiento, la energía y la tensión.
- Fuertes contrastes de luces y sombras realzan los efectos escenográficos de muchos cuadros, esculturas y obras arquitectónicas.

- Una intensa espiritualidad aparece con frecuencia en las escenas de éxtasis, martirios y apariciones milagrosas.
- La insinuación de enormes espacios es frecuente en la pintura y escultura
- Los pintores pretendieron siempre en sus obras la representación correcta del espacio y la
perspectiva.
- El naturalismo es otra característica esencial del arte barroco

- Las figuras no se representan en los cuadros como simples estereotipos sino de manera individualizada, con su personalidad propia.
- Los artistas buscaban la representación de los sentimientos interiores, las pasiones y los temperamentos, magníficamente reflejados en los rostros de sus personajes.
- La intensidad e inmediatez, el individualismo y el detalle del arte barroco, manifestado en las representaciones realistas de la piel y las ropas

Mobiliario Barroco
El diseño barroco es más evidente en el mobiliario de finales del siglo XVII, varias décadas después de que los arquitectos barrocos introdujeran sus innovadores enfoques en Roma. Durante la primera parte del siglo, el nuevo estilo tuvo influencia en las superficies, pero no en las formas, se produjeron numerosas novedades como por ejemplo, una mayor utilización de las
cariátides, que son figuras femeninas esculpidas, empleadas a manera de columna, como soporte, junto con patas torneadas en espiral y volutas que eran diferentes de los modelos del primer renacimiento.
Posteriormente, se empezaron a utilizar frontales curvados en piezas grandes, como armarios y cómodas con cajones, que reflejaban la nueva arquitectura barroca. Destacan la fabricación de escritorios de influencia italiana, los cabinets; en las sillas, se pusieron de moda los tallados elaborados y los respaldos altos, se fabricaban las sillas con asientos y respaldos de rejilla como alternativa a la tapicería.
El mobiliario más elegante y elaborado del barroco se realizó para la corte de Luis XIV, en Francia. Se crearon formas y detalles inusuales con incrustaciones que combinaban metal, carey y ébano. Las patas con forma de columnas, ricamente adornadas, se utilizaron para sostener mesas, sillas y arcones.
El estilo barroco perduró muchos años hasta que las modas empezaron a cambiar, primero en París y después en el resto del mundo occidental, hacia 1730. El estilo que tomó su lugar fue el
rococó, que perseguía una mayor delicadeza en la escala de los objetos y una conexión más íntima entre los muebles y las personas. Los ornamentos arquitectónicos tenían menos importancia y los muebles se construían según el gusto y comodidad de las personas, no de las habitaciones.
En la actualidad y con el y transcurrir de los años y con la evolución que han experimentado todos las cosas, la palabra “Rococó”, es término utilizado despectivamente para nombrar a los objetos o mobiliarios que poseen muchos adornos o que a juicio del observador son recargados, ahí podemos constatar como el mundo ha evolucionado y los diseños cada vez son más funcionales y a la vez atractivos al consumidores, muchas veces dejando a un lado “la ornamentación” y los excesos.





Jardines Barrocos:

El arte de la jardinería, se maneja en un ámbito complejo, en el que se interfiere la agricultura, la perspectiva, la pintura, la escenografía, el estructuralismo arquitectónico, el valor de lo escultural, el agua, la geometría proyectiva, etcétera
Someter el arte a la naturaleza, clarificar y nunca sobrecargar el trazado del jardín, "el no descubrirlo en exceso, y el hacerlo parecer más grande de lo que realmente es" fueron consignas establecidas por la fuerza de una ley, como lo fueron también las directrices sobre problemas artísticos y técnicos que condicionaron a lo largo del siglo XVIII la propia creación.A. J. Dezallier desarrolló una serie de ideas que en gran parte estuvieron inspiradas en la práctica de Le Nôtre
El jardín barroco fue propuesta de la monarquía en sus más vastos conjuntos, emparejando naturaleza y arquitectura con la idea de lujosos festejos, de los placeres de la fiesta al aire libre. También fue un tema de atracción para la nobleza y una sociedad señorial que manifiestan su gusto por la magnificencia agregando un terreno bien cultivado como marco de su residencia. Obras muy destacadas son: los jardines de algunos pazos gallegos, como el de Oca, de 1743; los del Retiro de Churriana cerca de Málaga, creado por Martín de Aldehuela hacia 1780; el Laberinto de Horta, en el que ya se presiente la recuperación de un clasicismo puro, o los jardines aterrazados de suntuosa vegetación de Osuna en las Vistillas de San Francisco o en la Alameda, en Madrid.


sábado, 12 de enero de 2008

El Renacimiento



El Renacimiento es uno de los grandes momentos de la historia universal que marcó el paso de mundo Medieval al mundo Moderno. Es un fenómeno muy complejo que impregnó todos los ámbitos yendo por tanto, más allá de lo puramente artístico como ha querido verse. Renacimiento es el nombre dado al amplio movimiento de revitalización cultural que se produjo en Europa Occidental en los siglos XV y XVI. Sus principales exponentes se hallan en el campo de las artes aunque también se produjo la renovación en la literatura y las ciencias, tanto naturales como humanas.
El término Renacimiento deriva de la expresión italiana “rinascita”, vocablo usado por primera vez por el literato Petrarca y revalorada por el arquitecto y teórico Giorgio Vasari, que la delimita en el mismo momento histórico en que tuvo lugar este movimiento cultural.
El Renacimiento es ante todo, un espíritu que transforma, el nombre Renacimiento se utilizó porque éste retomó los elementos de la cultura clásica, además este término simboliza la reactivación del conocimiento y el progreso tras siglos de estancamiento causado por la mentalidad dogmática establecida en la Europa de la
Edad Media. El Renacimiento planteó una nueva forma de ver el mundo y al ser humano, el interés por las artes, la política y las ciencias, cambiando el teocentrismo medieval, por el antropocentrismo renacentista.

Arquitectura Renacentista
Había dos tipos de edificios: religiosos (
iglesias) y civiles (urbanos y laicos). Los elementos constructivos más característicos son:
Estructurales:
Arco de medio punto, columnas, cúpula semiesférica, bóveda de cañón y cubierta plana con casetones.
Decorativos:
Pilastras, frontones, pórticos, motivos heráldicos, almohadillados, volutas, grutescos, guirnaldas y medallones.
Desde sus inicios, la arquitectura renacentista tuvo un carácter profano y, lógicamente, surgió en una ciudad en donde el
Gótico apenas había penetrado, Florencia; en la Europa de las grandes catedrales, se implantó con dificultades.


Características de la arquitectura Renacentista

Búsqueda del ideal clásico:
A través del clasicismo, los hombres del Renacimiento miraban hacia el mundo greco-romano como modelo para su sociedad contemporánea, buscando aplicar en la realidad material cotidiana aquello que consideraban que pertenecía a un mundo más idílico que real. En este sentido, la Arquitectura, en especial, intentó concretar conceptos clásicos como la belleza. Se caracterizó por el empleo de proporciones modulares, superposición de órdenes, empleo de cúpulas e introducción del orden colosal. Ç

Visión profana sobre temas religiosos: Los valores clásicos, desde el punto de vista del Cristianismo, de enorme influencia en este, eran considerados paganos y de carácter pecaminoso. Para superar esta censura de la Iglesia Católica, se integró la visión del mundo cristiano con el proyecto de recuperación de los ideales clásicos, a través de escenas desacralizadas y edificios hechos a la medida del hombre.

Influencia de la naturaleza: La
naturaleza era vista como la creación suprema de la obra de Dios y el elemento más próximo a la perfección (otro de los ideales que había que buscar a través de la estética clásica). Así, se pasa de la búsqueda de la inspiración en la naturaleza, a la inspiración en las formas de la propia naturaleza

Antropocentrismo y humanismo: Además de la naturaleza como
creación perfecta, se vuelve la mirada al
ser humano: se deja atrás el teocentrismo medieval para entrar en el antropocentrismo. El hombre se analiza, en vez de como ser creado a imagen y semejanza de Dios, como medida y referencia del Universo. Así, será el objeto central de la manifestación artística, con una importancia aún mayor que durante la Antigüedad clásica.
Consultado en: